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Notas sobre YAYOI KUSAMA: "MyLife, a Dot". "Mi vida: Un punto".

Orlando Mejía

“Mi deseo era predecir y estimar la infinitud de nuestro vasto universo con una acumulación de unidades de red, un negativo de puntos. Cuán profundo es el misterio de la infinidad que es infinita en el cosmos. Percibiendo ese infinito quería ver mi propia vida. Mi vida, un punto, es decir, una partícula entre millones de partículas. Fue en 1959 cuando presenté un manifiesto en el que declaraba que [mi arte] me borraba y borraba a los otros con el vacío de una red tejida con una acumulación astronómica de puntos”.

Para este trabajo, elegí el significante punto y no el de lunares, más usado en España y popularmente asociado al traje de flamenca, porque precisa más el efecto de reducción que quiero destacar en la obra de quien hoy es considerada la artista Japonesa viva más importante en el mundo del arte actual y porque lospuntos son parte escencial de la <marca global> que hoy es Yayoi Kusama.

Nace en 1928 en Matsumoto, ciudad termal dominada por un castillo del siglo XVI, a unos 200 kms al occidente de Tokio. Sus padres vivían en un vivero a orillas del río, allí creció con sus tres hermanos en un ambiente conservador, correspondiéndole la época de la depresión de los años 30, luego Pearl Harbor, segunda guerra mundial, derrota y ocupación Americana.

De su infancia, destaco cita de su autobiografía: “Nacida en un hogar imposible con padres que no se llevaban bien; criada en las tormentas cotidianas que enfurecían a mi madre y a mi padre, atormentada por una angustia obsesiva y miedos que derivaban en alucinaciones visuales y auditivas, asma y luego arritmia, taquicardia y la ilusión de ‘ataques alternativos de alta y baja presión y la sensación de que la sangre inundaba el cerebro un día y se escurría al siguiente ‘ ; esos episodios de desorden mental y nervioso, por los que sangraban las heridas que me había dejado una adolescencia oscura, son la fuente fundamental de mis creaciones artísticas”.

“Cuando era niña, mi madre no se daba cuenta de que yo estaba enferma. Así que me pegaba, me abofeteaba, creyendo que decía disparates. Era extremadamente violenta, me pegaba tanto que hoy la meterían presa. No sabía nada de la enfermedad mental infantil. No le gustaba verme pintando y destruía las telas en las que estaba trabajando. Pinto desde los diez años, cuando tuve mis primeras alucinaciones”.

Dibuja , dibuja y dibuja, sin parar. La madre destruye sistemáticamente esos dibujos. Corta en pedazos lo que encuentra, vidrios de ventanas o espejos, telas, libros, papel, cortarlos en pedazos con tijera o navaja, hacerlos añicos con piedra o martillo, cortaba las cabezuelas de las flores, tiraba las inflorescencias apretadas en un pozo que había cavado en secreto, hasta que acumulaba CIENTOS Y CIENTOS. De sus dibujos de adolescencia no queda casi ninguno, se testimonia el talento para el dibujo al natural en las muestras regionales donde presentaba sus trabajos, Sus padres por fin le permiten inscribirse en la Escuela Municipal de Artes y Oficios de Kioto en 1948, a los 20 años de edad, donde dominó, perfeccionó e hizo propio el estilo tradicional de la pintura con tinta sobre papel o tela Nihonga, abierto a la modernidadal aceptar el dibujo del natural. Se libra de la tradición japonesa, conoce las corrientes europeas, se sumerge en el surrealismo y el cubismo, incorpora lecciones técnicas y estéticas de Joan Miró, Max Ernst, André Masson y Paul Klee.

Durante una década trabajó con un amplio espectro de medios tradicionales y más modernos como tinta, acuarela, pastel, témpera, acrílico, el gouache y el óleo, en soportes como papel, seda, tela y técnicas desde las más tradicionales hasta la calcomanía y el frotagge. Matsumoto 1952 marca un hito: en siete meses sus dos primeras exposiciones individuales , 250 0bras c/u. disposición serial que hoy llamaríamos arte conceptual (el artista adelantado a su tiempo). Hay fotos de la artista en el centro de su obra, camaleónica con trajes diseñados por ella misma, que se repetirán en toda su vida, enfatizando más el conjunto que la “obra” individual haciendo parte de su “mundo”.

1954 , exposición en Tokio (ver capullo No 6 1952)

1957 , en contra de sus padres, viaja a USA, animada por Georgia O’Keeffe, para una exposición en Seattle , 1958 se radica en New York. Elabora la obra Redes infinitas (monocromas)

1959 octubre, primera exposición NYC, 5 pinturas abstractas de gran tamaño, escala casi industrial 2 y medio metros de alto por 10 de ancho, se requiere NECESARIAMENTE del espectador que debe estar lejos para ver la obra completa pero muy cerca para apreciar el trabajo minuciosamente repetido “escrutinio paciente del espectador”, pintura como instalación y espectador como participante.

1961 reconocimiento USA, Holanda, Alemania, prestigiosas galerías NYC y DC.

La técnica del collage le abre el camino a la escultura. Etiquetas autoadhesivas sobre papel como <redes>, billetes falsos de dólar de borde a borde, conectando arte y vida a través de logos visuales, anticipándose precozmente a Warhol . En una pintura reciclada pega una grilla de caja de huevos, aparece la tercera dimensión.

Obsesión sexual,los falos y obsesión por la comida, conchas de pasta. Objetos domésticos cubiertos por fideos, mesas, sillas, muebles, ahora en Bs As es una instalación blanca para que los espectadores con lunares autoadhesivos la cubran.

En 1964 ya proclama que su obra es producto de su <patología>y que describirá en su autobiografía de la siguiente manera: “Aunque los artistas por lo general no expresan sus complejos psicológicos directamente, yo en cambio uso mis complejos y mis miedos como temas. La sola idea de que una cosa larga y fea como un falo me penetre me aterra, y es por eso que aparecen tantos falos en mi obra… Los hago, los hago y sigo haciéndolos hasta que me sumerjo totalmente en el proceso. Lo llamo ‘borramiento'”.

Su obra emblemática es auto-borramiento “self-obliteration” film de 1967 el cual describo brevemente: inicia ungiendo de puntos un caballo que monta vestida de vaquera con puntos para dirigirse a un pequeño río donde va deshojando flores amarillas hasta reducirlas a un punto para terminar pintando puntos en el agua que se van diluyendo hasta auto-borrarse.

Hacia fines de los 60 el happening y el performance, incluían desnudos, sexo explícito y contenidopolítico radicalizado. Durante un breve período de tiempo Kusama fue la reina de la cultura underground neoyorquina como la “Sacerdotisa suprema de los puntos”, body festivals, love promos, anatomic explosions, celebró en su estudio la primera boda homosexual mundial. Depresión y psicoanálisis. Marginalidad.

1973 vuelve a Japón. 1977 ingresa a una clínica psiquiátrica donde permanece hasta hoy y donde tiene su estudio propio y sigue trabajando. Retoma en pequeños formatos su obra anterior, el retrato, 1980: 5 muestras individuales en un año. 1982 prestigio recuperado.

1993 representa a Japón en la Bienal de Venecia, narciso garden.

En 2000 desarrolla técnica inicial de sus performances, I’m here, but nothing, iluminando la pintura fluorescente con luz negra para cubrir interiores domésticos convencionales con revestimiento infinito de puntos en los muebles, adornos, piso, techo. Dots obsession.

2010 salas de espejos, Filled with the Brilliance of Life, versión enla que el espectador se sumerge en la versión actualizada delinfinito según Kusama. Mediante inumerables haces de luces de colores que se reflejan en la superficie cubierta de agua del piso y en las paredes y techo espejados, los visitantes ven su propia imagen que se repite y se retira infinitamente como si fuera apenas una partícula entre millones; por momentos las luces se apagan y en total oscuridad el espectador alcanza a perturbarse y hasta sentir temor.

Críticos, historiadores del arte y la propia artista han intentado precisar el sentido complejo del punto y su repetición, su cosmovisión, desde la primera aparición en las alucinaciones infantiles hasta su evolución de las pinturas de red a la marca autónoma, como las sopas Campbell de Warhol.

“Mis performances son una suerte de filosofía simbólica que se expresa a través de los puntos. El punto tiene la forma del sol que es símbolo de la energía del mundo y de nuestra vida, y tiene también la forma de la luna que es la quietud. Redondos, suaves, coloridos, sin sentido e ignorantes. Los puntos no pueden estar solos, como sucede en la vida comunicativa de la gente, dos o tres o más puntos llevan al movimiento. Nuestra tierra es solo un punto entre los millones de estrellas del cosmos. Los puntos son un camino al infinito. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con punto, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad y nos borramos en el amor”. Kusama, entrevista con Jed Jalkut, NYC, 15/febrero/1968.

Siguiendo a Massimo Recalcati , en su texto Las tres estéticas de Lacan, podemos decir brevemente que esta <marca> no comercial, sino el divino detalle que detalla y talla haciendo marca, un Uno que se vuelve múltiple, que Kusama nos dice y nos muestra como elaboración de su alucinación infinita, que reduce al dot, punto, lunar, impronta singular, única –no en vano Kusama es oriental, cuyo ideograma el lunar– es absolutamente contingente y a la vez necesario, s1 suelto de la cadena, repetitivo, amplificación-reducción significante, sin redundancia de sentido s1-s2 y reducción del s2 al hueso del s1, al hueso de la letra traumática y asemántica, por lo cual me parece que la obra de Yayoi Kusama es un un paradigma de esta tercera estética y que tal como nos enseña Lacan “el artista nos desbroza el camino”, además, esta artista Japonesa nos enseña como la reducción del sentido, de las cadenas significantes, a un punto, puede ser una vía para no retroceder como psicoanalistas frente a la psicosis.

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